¡Enlaces Actualizados!

Queridos lectores:

Les cuento que todos los enlaces han sido actualizados, por lo que cualquiera de los discos del blog están listos para ser descargados nuevamente.

Pronto vendrán nuevos discos y reseñas, con la intención de mantener este espacio actualizado constantemente.

Como aperitivo, un video con más de 170.000 visitas en Youtube.
Se trata de Canario Luna y su "Brindis por Pierrot", importante e histórico cantor de Murga Uruguaya, pionero además en el género Murga-Canción.

La Voz Popular del Uruguay

Acontramano (primer premio 2009)

En tiempos en que la televisión y los grandes periódicos deciden, en sintonía con la clase dominante, comunicar lo irrelevante y ocultar lo inconveniente, manteniéndonos así en total ceguera, se hace necesaria la aparición de aquellos personajes que abran nuevos canales de comunicación que estén en sintonía con el vivir de la gente y nos identifique, pues la expresión (el habla) constituye uno de los hechos más importantes en la vida humana, desde sus grados más personales hasta los colectivos.

En Uruguay, respecto a eso, tienen un mejor pasar que acá; tienen carnaval. Durante cuarenta noches Montevideo levanta un montón de tablados* a través de toda la ciudad dónde las distintas agrupaciones que conforman el carnaval (Murga, Lúbolos, Parodistas, Revistas y Humoristas) presentan sus trabajos anuales. Trabajos que en general están enfocados hacia el Concurso Oficial de Agrupaciones de Carnaval, certamen que a través de un reglamento y un jurado especializado, define lo mejor de cada categoría. La Murga, siendo la protagonista luminosa del Carnaval, goza de espacio para crecer y quizás también, para perderse en el laberinto de lo institucional.

La Murga es un coro polifónico (que no desciende de los 15 integrantes) que acompañado de una batería (platillero, cajero y bombista) mezcla el canto con el teatro popular, raíz adoptada de los españoles hace ya más de cien años. La obra de la murga, un poco por la tradición popular y otro poco por los reglamentos del Concurso, está muy estructurada. Saludo, Cuplé y Retirada la componen dramaturgicamente. El Saludo y la Retirada, son canciones que abren y cierran respectivamente la obra, por lo que en general hablan del carácter cíclico del carnaval y presentan un sinfín de imágenes poéticas que definen y dan sentido épico al carnaval, cómo la siguiente copla citada del Saludo de Agarrate Catalina del año 2006:

Músicos ambulantes

Parientes pobres del dios del vino

Vuelven por los caminos

Que estaban hechos para volver

El Cuplé está compuesto por canciones y por intervenciones teatrales (principalmente diálogos entre unos pocos personajes) sobre temas bien específicos. Así como en el saludo y la retirada el lenguaje predominante era más bien poético aquí se trata del coloquial.

La Murga y el Murguero, nacen del barrio, de la gente. Aún se mantienen humildes y comprometidos, muchos, con clara conciencia del rol que cumplen.

La recopilación (de los hechos sucedidos durante el año) y la comunicación y reinterpretación de éstos, fundamentan la relación del pueblo con este oficio popular. De allí su profunda capacidad identificatoria; pues abren nuevos canales de comunicación en sintonía con las problemáticas de la gente. El aplauso agradecido y emocionado tras cada acierto de la murga es la aprobación fidedigna del pueblo para su Hijo Juglar que le devuelve la mano y lo ayuda a desenterrar las verdades y desenmascarar a los verdugos.

Aún así, no todo es color de rosa. El tablado de barrio va desapareciendo con el correr de los años y los patrocinadores privados se comienzan a hacer cargo de la organización de éstos dados los jugosos ingresos del carnaval. El estado Uruguayo y así también la Intendencia de Montevideo han reconocido que el carnaval atrae al turismo y es una puerta hacia el trabajo, por lo que se han inmiscuido en la organización relegando cada vez más la participación popular que antes (y aún ahora, en menor medida) llevaba a cabo la fiesta. La relación murga-patrocinador privado-estado se va afianzando es una incógnita su destino, lo cierto es que el fenómeno comienza a generar reacciones:

Comienzan a aparecer voces disidentes que hablan de un concurso poco honesto, reacio a la crítica (política y sobre las metódicas del carnaval) y alineado con el aparato estatal. Comienzan a haber murgas adictas a la carcajada fácil y que terminan cediendo en el contenido para acotarse de la mejor forma (y esquivando todos los riesgos posibles) a los reglamentos de la competencia y así poder optar a un buen premio. Es la misma historia de siempre.

Pero el Uruguay ha de estar dichoso de tener estas problemáticas pues son propias de un proceso dónde nos llevan varios pasos de adelanto. Nosotros estamos parados, tanto que hasta se suspende el carnaval de La Legua por falta de ideas y organización. El Festival de Olmué se disfraza de cultura popular y le creemos. Tan parados estamos que la Cueca y el Chinchinero van desapareciendo cómo oficio popular. Tan parados estamos que nos volvemos adictos a las copias y las repeticiones.

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Para escuchar les dejo un recopilatorio bastante ilustrativo de Saludos y Retiradas de distintas Murgas a lo largo de cien años. Su nombre es Cien Años de Murga y lo pueden Descargar Aquí

Banda Conmoción - Pregonero (2008)

Pregonero, el primer disco de la Banda Conmoción, es quizás el debut más esperado del Under Chileno. Hoy por hoy los diecinueve músicos de la banda disfrutan de un público que tocata tras tocata se va agrandando y que compra el disco que de forma independiente los chicos de la Conmoción han publicado.

Cómo han sabido demostrar en sus presentaciones en vivo la Conmoción busca el carnaval; plantar la celebración en medio de una sociedad chilena poco acostumbrada a la bulla popular. Y en cuanto a la fiesta se refiere lo logra con creces en Pregonero, el disco que nos convoca hoy y que ha sido lanzado en las últimas semanas.

Pero el disco que por su titulo anima, puede llegar a desilusionar en su contenido más profundo. Del Pregonero no hay nada y no se encuentra en ninguna parte una cita real al personaje que aluden; una en que haya creación de por medio, una que entregue una visión particular y que construya ideas (musicales o literarias) en torno a la figura del Pregonero. Más bien, se convierte en una cita fácil que corre el riesgo de convertirse en panfleto.

En todo caso, lo ostentoso y absurdo que pudo haber resultado la cita se ve recompensado con la habilidad musical carnavalera demostrada en la agitanada Vagabundo, que sorprende con una melancolía bien lograda por la melodía de los bronces y un par de solos que si bien no despliegan virtuosismo como los del folclor gitano, sí logran quebrar con la monotonía orquestal que en algunos momentos se escucha, en un tema, que quizás, sea el momento más alto del disco.

Moje Cipele y Sueña Contenta no se quedan del todo atrás, acercándose, gracias a la pericia melódica de la composición y la fuerza de sus bronces, al folclor gitano balcánico, forma musical que pega, muchas veces, más que las cumbias o el carnaval andino que los de la Conmoción también cultivan.

Si bien temas como Presentación, Pregonero y La Piropera suenan excelente y no pierden la energía arrolladora que caracteriza al disco y a la Conmoción, tienen una falencia que nada aporta al desarrollo de las ideas del disco; la animación del director de la banda. En la mayoría de los temas tenemos que escuchar una voz poco armónica que va animando infructuosamente a un oyente que atónito intenta descifrar el sentido de su presencia. Si Sanhueza hiciera pregones, tirara versos con sentido (y no fáciles panfletos como “America resiste”) o si reemplazara por melodías sus intervenciones monosilabicas del tipo: “¡si, si! ¡uy, qué rico!” o tantas otras cosas que no hacen más que rellenar, tendría todo más sentido y la voz no se hubiese convertido en este disco en un invitado de piedra.

El álbum finaliza con Cuanto Cuestas, Cuanto Vales, morenada tradicional (a diferencia del resto del disco que son todas composiciones propias) que la Banda Conmoción perfecciona y convierte en el himno favorito de sus asiduos, ayudados por su hermosa melodía y los versos precisos de la tradición popular. Esta es una potente versión en vivo dónde el público hace de coro, cantando el verso más bello del Pregonero: “Cuánto cuestas, cuánto vales amor mío/ si tu quieres yo te pago, pero nunca, nunca me olvides”

Pregonero, debut de la Conmoción, es una pieza que muchos han catalogado como la espera perfecta entre presentación y presentación; cómo un plus para una banda que en vivo haya su esencia y puede desplegarse en su totalidad, poniendo a la celebración en el meollo del asunto y que ha logrado, conquistar al público y aunque no reinventar los estilos que cultivan, sí ponerlos encima de la mesa y hacer que la gente los escuche.

DESCARGAR "PREGONERO"
(Archivo subido por el blog de descarga de música: combatcircus.blogspot.com)

Los Trukeros - De Visita (2005)

Los Trukeros son una agrupación de cueca brava formada hace más de quince años y con cuatro discos a su haber, hoy por hoy, disfrutan de un buen nombre en la escena cuequera Chilena. En esta oportunidad les presento su segundo trabajo disco que nace y madura en una de las giras que la banda hizo por algunas regiones de Chile, recolectando versos, imágenes y grabaciones, proceso creativo que termina por bautizar al álbum; Los Trukeros; De Visita.

La placa cuenta con dieciocho canciones, siete de las cuales son cuecas bien tradicionales, justas pa’ un dieciocho bien bailao’. Pero los que sólo pretendan zapatear al ritmo del De Visita no podrán hacerlo con toda libertad y tendrán que ir saltando canción tras canción, pues éste disco, y lo digo con toda la alegría de dar una buena noticia, es una mezcla de sonidos y atrevimientos que van mucho más allá de ser un recopilatorio de folclor tradicional.

Los Trukeros son fieros observadores de la cueca chilena y hacen una que intenta estar cerca de la tradición más pura, por ello, reconociendo a la cueca como una expresión del pueblo que se dio especialmente en reuniones sociales y lugares de trabajo, con habilidad y talento al comienzo de cada cueca, los integrantes de la banda, bien puesta la voz en la nariz, se reparten verdades entre todos, yendo los versos, viniendo los versos en un juego teatral que bien representa a la verdadera Rueda Chilena; momento en el que todos y cada uno de los participantes debían tener la chispa bien puesta en la cabeza pa’ poder mantenerse dentro del círculo de cantores populares.

Canciones como Testamento, De Farra, Yeca Las Claras y todas las cuecas tradicionales de este disco son testimonio fiel de esta búsqueda y dan la sensación, por la viveza verbal demostrada por Los Trukeros en el primer minuto de canción, de estar presenciando el acto mismo de creación e improvisación más puro y cercano al estilo verdadero que desarrollaron los cultores antiguos de la cueca urbana, consiguiendo además algo que los sustenta musicalmente (mas allá de sus conceptos bien logrados); la calidad de las voces que fieles al estilo nasal logran una potencia pocas veces vista.

Uno de los fuertes del disco, así como la búsqueda de lo tradicional, es la creación de poemas musicalizados, intento arriesgado, pues el “género” exige coherencia y calidad poética, por sobre todo. Los Trukeros lo sobrellevan con calidad y autoridad, desarrollando en su poesía un discurso metacuequero que pretende definir, según su visión particular, el origen, la forma y la naturaleza de la cueca brava.

Por tanto, temas como La Chilena se Perfuma, Romance y De Cuna y Madriguera componen una tríada de “crónicas poéticas” dónde en la búsqueda de la definición de la cueca brava, se articula una especie de manifiesto que reconoce cómo “taitas” del estilo a Los Chileneros (y no a otros), que reivindica el canto a la rueda cómo forma verdadera de la cueca chilena y respecto a su origen, valida la teoría de Marabolí quién concluye que la cueca viene de remotas tierras árabes y es traída a chile por los andaluces. El acompañamiento musical de los poemas escritos por Pavel Aguayo (integrante de la banda, por cierto) es perfecto y se afiata particularmente bien en De Cuna y Madriguera.

Extracto De Cuna y Madriguera:

“Pal’ que no sabe sepa
Que este cantar
No es de pijes
Es musa de matarifes
Que lo heredó en pura cepa
Cuándo arremanga se trepa
Batiéndose en buena lid
Con gusto me quedó aquí
Y aunque soy ave no emigro
¡Me quiero leer el libro
Que ha escrito Marabolí!”

Cómo un experimento tal vez histórico y nuevamente con la intención de rebuscar y hallar las verdades de la cueca, Los Trukeros, presentan La Rueda, cueca de sonoridades árabes que sirve de hipótesis sonora de la teoría escrita por Marabolí.
La atrevida composición funciona muy bien basada en las melodías de la guitarra del comienzo, del violín y del acordeón (que hacen un juego sencillamente delicioso al oído), de los panderos que parecen cientos de ellos y de las voces que se escuchan especialmente iluminadas en la segunda mitad de la canción.

Los Trukeros, en afán de innovación y tal vez dadas las influencias de la banda, proponen en temas como El Maldito una espectacular fusión del rock con la cueca, logrando un perfecto equilibro entre la instrumentación eléctrica (guitarra y bajo) y la acústica (guitarra y acordeón). El Maldito y La Posada presentan un nuevo formato de canción dejando la primera mitad del tema para la experimentación más rockera y la segunda para la cueca tradicional, consiguiendo así el espacio justo para que la cueca no se sature con guitarras y pierda la pureza tradicional que han logrado Los Trukeros.

Pero si hablábamos de fusión aquí si que tenemos un buen ejemplo. Veleidosa y Pendenciera, tema de seis minutos y medio que va convirtiéndose ya en un himno entre los asiduos a Los Trukeros, combina de forma perfecta la cueca y el swing sirviéndose de éste último estilo para llevar la canción, a través de las iluminadas intervenciones solistas (guitarras y piano), a una euforia rítmica difícil de ignorar. Pero tal vez uno de los momentos más emotivos y que es la última pausa antes de la explosión “swingesca” de la conclusión de la canción, es la intervención poética y política de una voz ragamufeada que denuncia, llena de rabia y violencia, las injusticias de un sistema que no da pie con bola. Este es uno de los imperdibles, sencillamente muy entretenido.

Y cómo no, para cerrar el disco, Los Trukeros nos sorprenden, después de haber escuchado tanta guitarra y batería, con un fox-trot tradicional el que tuvieron que reconstruir cuidadosamente, hallando su letra en los testimonios emocionados de antiguos que aún atesoraban Pajarillo Barranqueño en su memoria.
No sé si serán los versos “…dile que la estoy queriendo, como a mi linda chilena, dile que si ella me quiere, que me busque en esta rueda“, la potente aparición del Chinchinero o la capacidad de las voces, pero a través de formas muy simples Los Trukeros convierten esta canción en un himno de alegría y emoción, al más puro estilo de Lamento Borincano de Rafael Hernandez, algún día versionada por Victor Jara.

De Visita no se limita a la realización de cuecas tradicionales en homenaje a la vieja escuela, al contrario, corre riesgos y propone una visión en particular de una expresión artística que sí necesita de investigadores e ideólogos que encuentren en su complejidad nuevas características y formas, para que esta, fiel al proceso de la tradición (que no se estanca si no que se genera constantemente), se vuelva a reinventar. Por constituir esta placa una especie de manifiesto de la verdadera forma y naturaleza de la cueca brava, Los Trukeros, se distinguen dentro del panorama de un under chileno que si bien pretende recuperar las raíces culturales latino americanas, falla en sus propuestas careciendo de argumentos y nuevas ideas cayendo en el muchas veces patético rumbo de las “versiones”.

DESCARGA "DE VISITA" de LOS TRUKEROS!!

Time of The Gypsies (2007) - Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra

Desde el último disco, La vida es un milagro (2004), la Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra cambió ligeramente el rumbo e innovó su estilo plenamente ska-punk-gitano agregando coros y formas musicales medianamente alejadas de su típico unza unza gitano. Podríamos decir que el disco que hace de banda sonora de la última pelicula de Emir publicada en Chile, es una transición acertada hacia el camino que tomarían con “Time of The Gypsies”, el disco que les presento hoy.

La producción musical de la No Smoking Orchestra (de aquí en adelante TNSO) ha sido limitada (a excepción de su disco Unza Unza Time) a la creación de bandas sonoras, por lo tanto, sus discos han tenido que ajustarse a una estructura narrativa que no les da plena libertad de acción. Esta vez, la banda liderada por su vocalista, Dr Nelle Karalijic, ha escapado del límite cinematográfico y ha incursionado en la ópera, un estilo musical-teatral que les era ajeno. La puesta en escena de la obra estuvo a cargo de Kusturica, quién se basó en su propia película con el mismo titulo (Tiempo de Gitanos, 1989), y la composición musical fue responsabilidad de la banda completa siendo ilustre acompañante para la aventura la “Garbage Serbian Philarmonic Orchestra”. Todo este grandísimo show se presentó en París, el año 2007, consiguiendo una ovación generalizada del público asistente.

El mismo año se publica el disco como nuevo material de la TNSO. “Time of The Gypsies” es la música acompañante de una puesta en escena teatral, por lo que el análisis es parcial; sólo me referiré a la música.

El disco no funciona mal. De hecho, suena bien. Es escuchable, rítmico, épico, irónico, melancólico. Todo, menos un disco tipo de la TNSO. Los chicos ya nos presentaron (anteriormente) su estilo dejándonos bien claras sus bases; un ska-punk-rock-gitano de rebeldes e incisivas críticas al sistema más una buena dosis de ironía, humor negro y una energía musical difícil de encontrar en otras bandas. En esta entrega, si bien, no dejan su estilo propio que les ha sido difícil renovar, lo adornan con instrumentos de orquesta y coros voluptuosos que a veces llegan a molestar. La lengua sigue siendo ácida y crítica y es todo un logro en el contexto de una “ópera” que trata sobre el viejo film de Emir, pero saben acomodar bien las cosas y consiguen en el track Evropa, en el contexto del viaje de Perhane (el protagonista) a Milán, burlarse (hasta musicalmente; con sus teclados technos) del legado y la realidad europea y proponer frases tan duras y sabrosas como esta: “Gracias Europa por tu democracia. Gracias vieja madre por Fox y MTV”

La filarmónica y los coros ven su momento dorado en temas como San Francisco, que abriendo el disco, consigue una mezcla efectiva entre uno de los ritmos (ya repetidos mil veces) de la TNSO y los instrumentos de cuerda de la filarmónica. La línea melódica de la canción es tocada por el violín y el saxo de la banda pero se ve bien realizada cuándo la filarmónica la toca y hace estallar la canción en plena emoción y épica. Si bien en este tema, sin duda, la orquesta funciona bien, se escucha sobrecargada y forzada en temas como Perhan Sovel, dónde intenta, en medio de una suavidad conmovedora, imponer una épica inexistente a través de sus decenas de violines que bien podrían encajar en cualquier película basura hollywoodense. En Cik Cik Pogodi el coro masculino destiñe, el femenino destella y la filarmónica no suena mejor que los bronces balcánicos que parecen sacados de cualquier disco de Bajramovic o Bregovic.

Caso aparte y negativo, a mi gusto, es la re-realización de Ederlezi, uno de los temas centrales y más hermosos de la banda sonora de Goran Bregovic para Tiempo de Gitanos, la pelicula. La forma en que Bregovic lo adapta, no tiene mejoras. El coro de voces búlgaras y la potencia conseguida por una orquesta gigantesca de bronces balcánicas no tiene siquiera similitud en su calidad con lo presentado por la TNSO en esta entrega, que si bien al principio suena agradable por su sencillez instrumental, y dos voces sólidas, luego se desborda en una filarmónica excesiva y voces sobrepasadas.
Si no tiene sentido creativo volver a armar este tema, menos aún lo tiene ensuciarlo con una intervención tan violenta y ajena al estilo cómo la del fraseo hiphopero de la cantante y los gritos del coro. Para rematar el mal paso, cuándo uno cree que ya se ha terminado, vienen dos minutos más con el Ederlezi ya por todos conocido pero interpretado por los bronces bajos de la filarmónica que bien poco sentido musical tiene y parece más una necesidad temporal de la puesta en escena de la autodenominada “ópera punk”.

Bah, pero que esto no se tiña de negro por que también hay joyitas, quizás, no tan brillosas como las de la banda sonora para Gato Negro Gato Blanco, pero cortes como
Crazy About Money o Djibalen Rromalen consiguen, fieles al unza unza típico de la banda, mezclar positivamente su estilo con la potencia de la filarmónica, consiguiendo coros interesantes y melodías que con los instrumentos orquestales alcanzan su más elevada forma.

Pero si vamos más allá del artificio filarmónico damos con O Chaveja y Del Dija, que siendo bien distintos, coinciden en la sencillez. El primero de éstos, es una bella melodía árabe que en la ausencia de la filarmónica y en la presencia de un contrabajo, un derbakke (tambor árabe), un par de violines y una voz potente, logran todo lo que logra Kana O Del Barvarel con sus arreglos orquestales. Entonces. ¿Para qué tanto? Me pregunto yo.

Del Dija, wow, es un hermosísimo homenaje de la TNSO para las raíces que los vieron nacer. Una guitarra, un acordeón, un violín, una voz rasposa y el eco suave de un par de aplausos. Bah, si diera la sensación de estar sentado en la mesa de unos viejos gitanos melancólicos que pa’ sacarse la pena de un muerto no tienen otra que entonar la garganta y tragarse las lágrimas.

El disco, al fin, funciona pero no del todo como álbum musical, pues se hace evidente que los tiempos narrativos de la ópera influyen fuertemente en el desarrollo de la música, lo que hace urgente poder ver las dos cosas en conjunto. Quizás así se entiendan mejor los abruptos cambios y cortes dentro de un mismo tema o tome más sentido la dramática Perhan Sovel, por ejemplo. Respecto a la música, la existencia de la filarmónica, en general, es digna, consiguiendo momentos altos y emocionantes (San Francisco, Kana O Del Barvarel, Efta Purane Ikone), como también, cayendo en redundancias y excesos estéticos que hacen doler los oídos (Ederlezi, Perhan Sovel).

La TNSO no podrá hacer otra ópera, tendrá que volver al estudio y componer para una banda de rock-gitano, por lo que preocupa la repetición y poca creatividad respecto a su propia pega; la variación en sus ritmos y estilos. Si no hubiese sido por la orquesta, temas como Djilaben Rromalen, Lorenzzo y Crazy About Money, hubiesen sido imposibles de realizar por su intranquilizante parecido a otros temas de la banda. “Time of The Gypsies” no es ni un nuevo estilo ni un nuevo disco de la TNSO, parece más un paréntesis dentro de su carrera que esperemos continúe pero el buen camino que dejó cimentado La Vida es un Milagro.

DESCARGAR "The Time of the Gypsies"

Multi Contra Kulti vs. Irony (2002) - Gogol Bordello

Siguiendo la herencia multicultural (y contra) de Mano Negra, aparece Gogol Bordello en la escena underground de un Nueva York cada vez más lleno de colores inmigrantes y culturas externas que vienen a “infectar“(East Infection, 2004) y/o enriquecer la cultura reinante.

El bar búlgaro Mehanata, en el este de la ciudad, fue el lugar perfecto para el nacimiento de una banda tan radical y extraña como Gogol Bordello. Allí, Eugene Hutz, el bigotudo vocalista de la banda, ponía música, y no perdía tiempo, pues también hacia performances y tocaba la guitarra cuándo podía. La mezcla musical que lleva Hutz en la sangre se fundamenta en el punk y el rock que escuchaba en su adolescencia y la música gitana que conoció en su duro periplo por el este de Europa, dónde vivió en campos de refugiados, escapando de la muerte mutante de Chernobyl.

Cómo vagabundo deambulando por las olvidadas calles de Europa del Este y luego cómo inmigrante (ciudadano de segunda clase, según sus propias palabras) en Nueva York, Hutz, desarrolló su actitud punk que lo lleva a en sus letras demostrar una total desconfianza ante poderes, instituciones y normas morales entrando, de esta forma, en el escenario de la contra-cultura neoyorquina, aquella que atenta y provoca, aquella que vomita sobre la perfección de sus rascacielos, que aúlla cuándo ve a los inmigrantes ser la nueva clase basura del país y que no se compra el cuento añejo y obeso del sueño americano.

Duros y secos por lo que les ha costado la vida, no habría sonido más apropiado que el punk para soltar la rabia y la confusión que causa aparecerse de repente en la capital del mundo. El violín y el acordeón, el bombo y los platillos, herederos de la cultura gitana, suenan junto a guitarras distorsionadas, creando un acento único para el punk-rock que ya de poco va desapareciendo. El menjunje entre los sonidos folclóricos de Europa del este, el punk y el rock occidental, el reggae y el ska jamaiquinos y los ritmos latinos se ven complementados de forma excepcional por una voz gastada, dura y verdadera que recuerda a los gitanos que nos muestra Kusturica en Gato Negro Gato Blanco.

Gogol Bordello logra diferenciarse de los sonidos balcánicos a los que estamos acostumbrados desde Goran Bregovic y crean una nueva mezcla, diferente y más áspera que la melodiosa forma de la Emir Kusturica & the No Smoking Band.

En el Multi Contra Kulti vs Irony, disco editado en el año 2002, escuchamos al primer Gogol Bordello, ese que sin una producción acabada ni una música tan estudiada, logran provocar y sonar como verdaderos punkies gitanos, que es a lo que finalmente, hoy, apuntan, pero que bajo el alero de la industria, que comienza a engatusarlos, han ido perdiendo, cediendo terreno a sonidos más populares y formas típicas de la industria para ser escuchados en todo el mundo; singles, videos clips y festivales masivos.

En esta, su segunda placa, tenemos joyas gitanas como lo es “Baro Foro” que en sus largos quince minutos se acerca más a los ritmos folclóricos Ucranianos que al punk-rock de “Punkrock Parranda” o “When the Trickster Starts A-Poking”, pero consigue cerrar de forma épica el disco y a su vez patentar, de cierta forma, el estilo de la banda. Dos recursos que usan insistentemente son los platillos gitanos al ritmo de la batería punk y los coros, que siendo herencia gitana y al mismo tiempo parte del punk, logran dar por cerrado un estilo que vemos fielmente representado en el segundo tema del disco; “Ocurrence on the Border”. “Through the Roof and Underground”, tema de la segunda mitad del disco, sorprende con la sencillez de una guitarra a lo Manu Chao, un par de platillos (los que escuchamos durante todo el disco), el bombo característico de las bandas gitanas del este de Europa, y una melodía nostálgica que junto a su letra nos remite a los vagabundeos “border after border” (frontera tras frontera) de Eugene Hutz. A pesar de temas tan prendidos como los dos que abren el albúm, sumandose a ellos Baro Foro y Huliganjetta, el grueso, lleva un tempo medio, no tan frenético, con harto espacio para la guitarra acústica y la voz de Hutz.(Future Kings, Haltura, Let's Get Radical).

Después de este disco, el año 2005, con nuevo contrato en mano, Gogol Bordello publica el disco que les abrirá caminos para comenzar a salir del underground ("Gypsy Punks: The Underdog World Strike" sí, la Huelga Mundial del Oprimido) Sin embargo, las letras están orientadas a las problemáticas sociales y filosóficas de un mundo en crisis, como el nuestro. El último disco, Super Taranta, publicado el 2007 los catapultó al éxito mediático consiguiendo actuaciones en grandes festivales y logrando una producción comercial muchos más acabada.

DESCARGA "MULTI CONTRA KULTI VS. IRONY AQUÍ

Vengo (2001)

Esta tarde llena de frío y cambio de estaciones me toca presentarles un disco proveniente de la naturaleza cinematografica. Así es, hablamos del acompañante perfecto para estas imagenes populares, se trata de la banda sonora de la pelicula Vengo, film del director gitano y argelino Tony Gatlif.

Para orientarlos, la pelicula se desarrolla en Andalucía y narra, básicamente, la lucha de honor y venganza entre dos familias gitanas de la región. Vemos vida, muerte y por sobre todo festejo popular gitano (funerales, bodas, bautizos) quién se ve representado por su factor esencial; La Música.

La historia central la lleva Caco, el protagonista, a quién se le ha muerto una hija.
En la tumba, Caco pone una inscripción que resume en lo que se ha convertido la vida del personaje; "Cada noche prenderé una vela por ti. Cada noche abriré una botella por ti"
Declarando así, a través de esta consigna, uno de los bastiones de la cultura gitana; las penas, las alegrías y toda pasión humana ocurre con el aconpañamiento de aquello que los representa y expresa; El Festejo; La Música.

De esta forma vemos a Caco organizar fiestas casi a diario, dónde la música juega un papel principal, pues vemos escenas enteras dedicadas simplemente a los artistas interpretando cada una de las piezas, dejando de lado la típica narración de un film, dónde todo (pero todo) se centra en los personajes claves del relato; en este caso la música se constituye como uno más, como un ser esencial de la narración; como aquel ente que le da sentido histórico y cultural a la pelicula de Gatlif.

El video que les dejo abajo es de parte de la primera secuencia dónde se narra el funeral de la hija de Caco.
A diferencia de lo que se podría creer nunca vemos el ataúd, nunca vemos a Caco ni a ningún personaje clave del relato, simplemente vemos una congregación de gente alrededor de grandes músicos; (en la historia, fueron contratados para el funeral) Tomatito (gran guitarrista flamenco) y Sheik Ahmad al Tuni, gran cultor del folclor egipcio. De forma sútil y con aspiraciones totalmente documentales Gatilif muestra estas dos raíces musicales que sin duda se relacionan de modo histórico-cultural, y muestra concretamente el sincretismo que representa la sola región de Andalucía.

De ahí en más la historia se va desarrollando intervenida narrativamente por espacios- cortes músicales-documentales, en su mayoría de folclor flamenco aunque siempre está presente también, quizá de forma más sútil, la raíz árabe.

Dirijendonos más hacia la banda sonora encontrarán cortes en su mayoría pertenecientes a la cultura flamenca y por otro lado el folclor egipcio que algunos por ahí dicen que es música soufi aunque hay otros que lo desmienten; lo cierto es que se trata de la música popular de egipto y esos lares orientales. En temas como Flamenco Soufi (abajo encontarán el video, que corresponde a parte de la primera secuencia del film) participa Tomatito con su guitarra y Sheik Ahmad al Tuni, con la voz egipcia, más cajones peruanos (tipicos del flamenco), derbakke (tambor popular usado en la música árabe), dabke (pandero árabe) y otras percosiones, aparte, obviamente de la flauta árabe y un par de violines. La mezcla cuenta con pasajes tranquilos y sútiles, como la mezcla solitaria entre la voz de Sheik Ahmad Al Tuni y la guitarra flamenca de Tomatito como también de pasajes totalmente potentes y euforicos, dónde todos participan; percusiones, árabes y flamencas, flautas, violines, guitarra y como jefe de la orquesta, la voz del egipcio que conmueve por su potencia. En mi opinión, este corte musical es el más potente de todos y sirve, en la narrativa del film, como obertura casi épica de lo que se viene.

Por otro lado tenemos el tema principal de la pelicula, el corte promocional del disco; Nací en Alamo, que claramente es un flamenco, cantada por una voz verdaderamente hermosa y acompañada de guitarras españolas y la flauta árabe que la escuchamos desde el principio. Este video también se los adjunto.

De esta forma, Gatlif, en esta banda sonora establece aquel sincretismo cultural caracteristico de Andalucía; el mundo árabe y el católico (que reinaba en toda España) generando en aquella mezcla una cultura popular tan rica como la flamenca llevada a cabo por los gitanos.

No se vayan a sorprender con aquél tema electrónico que suena más a techno bálcanico que a cualquier otra cosa, (El Techno del Rey) simplemente cumple un rol narrativo dentro del film, pues es la música que aparece cuando el personaje va al "Rey", bar-cabaret de su propiedad.

Hay otra canción también que podría llamarles la atención, su nombre es Mecanique Garage y corresponde a la ultima escena del film. Este tema es una canción nacida de la mezcla de sonidos mecánicos de máquinas, motores, planchas de metal, martillos y distintas herramientas humanas. Esto, claramente, rompe con la idea narrativa musical que tiene el disco pero no por ello es negativo.

No me queda nada más qué decir, simplemente que disfruten el disco y si pueden, vean la pelicula pues merece una ojeada y especialmente, una escuchada.

Saludos.

DESCARGAR LA BANDA SONORA DE "VENGO"


FLAMENCO SOUFI


NACI EN ALAMO (video oficial)